During the Biofeedback exhibition in Nice, Côte d’Azur curator Marcin Sobieszczanski shows photographs and videos from The Body is a Vessel, Truce: Strategies for Post-Apocalyptic Computation and the Tragedy of the Commons, in particular a series of photographs by Aurélie Cenno.

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Biofeedback dans l’art contemporain
Salle de « l’Avant-Scène » au Campus Saint Jean d’Angély 
Nice, January 17 – February 27

Aurélie Cenno nous invite à venir découvrir, et réactiver avec elle, la projection de sa pièce « Constellation », basée sur la série de photographies « Les Éclaireurs ». Chaque soir, passants et festivaliers pourront se faire prendre en photo et devenir les nouveaux Éclaireurs d’une installation in situ inédite, dévoilée le dernier soir.

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Les enfants croient vivantes les ombres de la nuit, ils parlent aux arbres et aux fleurs, ils jouent à être un autre, ils vivent dans ce monde de métamorphoses dont on garde, devenu adulte, une éternelle nostalgie.

Mais ce que les adultes oublient trop souvent, c’est que ce monde de l’enfance où tout se transforme est le même qui inspira les tragédies, et qu’il est aussi cruel que tendre. Ce n’est pas un sourire qu’Aurélie Cenno vole aux gosses, c’est l’instant où leur regard contemple une transformation secrète, où une fillette s’éloigne d’une mare comme si elle avait la connaissance mystérieuse d’un crime, où paraît dans la forêt un jeune être au visage animal.

Si l’enfant laisse fondre sa glace, et que l’image nous trouble, c’est qu’elle ne montre pas seulement la désobéissance, mais un être entre deux mondes, qui voit au-delà du fragile confort moderne, le monde somptueux et violent des métamorphoses.

Voudraient-elles retrouver un monde perdu, les ménagères au visage figé, coincées dans leur cuisine équipées ?
Aurélie Cenno détourne avec humour les lieux quotidiens et les objets utilitaires. Du réfrigérateur au presse-agrume, en passant par la chaise de cuisine, les objets conditionnent, plutôt qu’ils n’emprisonnent, celles qui les utilisent. Qu’elle sourie devant la cheminée en compagnie de son chien, joigne les mains sur un presse-agrume, ou simplement attende, rigide sur une chaise, la ménagère semble posséder un don effrayant de mimétisme, elle épouse, au sens premier du terme, les formes qui l’entourent.

Plus que le désespoir, c’est ce don caché que les images montrent et qui les rend troublantes, comme si planait la menace, saisie par l’artiste, d’un pouvoir de transformation brimé jamais loin de la violence.

La cour de récréation est un lieu étrange. D’abord parce que ce n’est pas un lieu fixe. Tout lieu peut devenir espace de jeu, à condition d’en prendre possession.

Aurélie Cenno se demande inlassablement dans ses photographies comment les enfants font comprendre qu’un lieu est à eux, qu’ils en sont les maîtres.
Une première réponse saute aux yeux, dès le premier coup d’œil : tout simplement en s’y comportant en conquérants, comme si l’enjeu était réellement la survie de leur territoire contre les assauts du monde extérieur.

Regardons-les, ces enfants, investir le terrain de jeu pour y jouer à la guerre : un pistolet tendu par un bras isolé affirme au monde entier que le territoire est sous contrôle. Et sur ce terrain de sport délimité arbitrairement dans un espace vierge, pourquoi ne jouer qu’à deux, sinon pour s’entraîner à se battre, à dominer l’autre, à le tuer, peut-être ? Le terrain de jeux aspire à être un terrain de guerre, et ce déplacement des lieux et des règles qui les régissent vient même bouleverser notre perception des choses.
Cette paire de chaussures qui me nargue dans les airs, comme en apesanteur, a été mise là par qui, et surtout pour quoi ? Pour s’amuser, pour rire, certainement.Mais ce rire, tout poétique et sincère qu’il est, n’est que la manifestation d’une angoisse secrète, intime, à la vue de ce qui pourrait bien être la macabre trace d’un massacre.
Massacre des hommes bien sûr, mais aussi massacre des lieux, que l’on profane et dont on nie les frontières et les singularités.

Ce qu’on nous montre, c’est cette horreur de l’immobile qui est certainement le propre de l’enfance, et peut-être aussi le propre de notre époque. Les enfants sont immobilisés dans un rôle qui leur impose des codes, des postures, des occupations, un langage. Elle fait exploser le carcan en exhibant son caractère arbitraire : le jeu de cache-cache est un simulacre de punition, comme si les enfants ne devaient s’amuser qu’en singeant la cruauté répressive des adultes.C’est bien là le vœu le plus profond de ces enfants, de tous les enfants : déplacer les limites qu’on leur assigne, étendre leur univers jusqu’aux frontières du monde adulte.

Les hommages aux artistes contemporains ne nous choquent que pour cette raison, parce qu’ils matérialisent sous nos yeux un désir infantile de déplacement, de sortie de soi, de négation de sa propre nature. En exposant des grandes œuvres qu’on dirait fabriquées de leurs propres mains, ils nous paraissent même plus malins que nous, plus à l’aise dans ce territoire de l’art qui est pourtant le nôtre. A moins que ce ne soit nous, adultes spectateurs, qui ne soyons des déplacés, impuissants à occuper la place que nous nous sommes choisie.

Au premier regard, on le sent. Une gêne diffuse et lancinante nous étreint doucement et ne nous laisse plus tranquille. Comme une grande mélodie jouée par une boîte à musique d’antan très légèrement fausse : toujours touchante certes, peut-être même un peu plus troublante, mais privée de toute majesté. Sans savoir exactement pourquoi, on est immédiatement saisi par cette certitude, qui est là, incontestable : il y a quelque chose qui cloche dans les photos de la série Hommage.

Ce titre, déjà, est étrange : comment ces images inquiétantes qui affichent sans réserve une dérision et un humour noir pour le moins corrosifs à l’égard du monde de l’art contemporain peuvent-elles rendre hommage ?
Mais il y à autre chose, c’est sur. La gêne provoquée serait insignifiante si le propos était cantonné à une énième dénonciation de l’establishment artistique. Ce qui nous dérange profondément dans ces images, leur caractère réellement subversif, passe par les enfants. Car, comme dans d’autres de ses travaux, c’est une vision de l’enfance grinçante, sans être jamais désabusée, qu’Aurélie Cenno nous propose ici. Cette absence de romantisme à l’égard de notre grande période fondatrice choque, mais il y a plus, car à travers elle c’est en réalité à une vision sans condescendance de l’individu que nous sommes confrontés. Dans ces images, c’est certes notre espièglerie, notre goût pour le jeu et notre humour, mais également notre méchanceté, notre violence, notre vanité, notre voyeurisme et notre propre infantilisation qui nous sont envoyés en pleine figure.
Ces photos nous heurtent car elles nous imposent une réalité que nous préférons occulter : malgré nos oripeaux d’apparat, il y a chez nous aussi quelque chose qui cloche.

J’ai commencé par des études de Droit et ça m’a donné envie d’intégrer une école d’art, bizarrement. J’ai passé mon DNSEP à l’Ecole Nationale Supérieure d’Art de Paris Cergy en 2008. Et en parallèle, j’ai passé une Licence de Lettres avec un parcours de médiation culturelle.
Je continue à avoir une pratique plastique et je travaille au Palais de Tokyo en tant que médiatrice culturelle.

Quelle place occupe l’art au quotidien ?

Beaucoup de place ! Trop ? (rires).
C’est multifacette et l’art occupe une place importante dans ma vie. Le questionnement, l’intérêt ou l’échange jouent un rôle chacun à leur manière.

A partir du moment où l’on travaille dans le milieu de l’art, la séparation entre travail et loisir est assez mince, voire inexistante…
Oui, c’est certain. Je ne crois pas qu’on soit amené à faire de la photo, ou à travailler avec des artistes par hasard. Il y a un intérêt initial, ou une vocation. Et peut-être une façon de regarder qui est un peu autre.

Quelles sont tes principales sources d’inspiration ?

Le travail des autres artistes dans un premier temps. Je me rappelle de mon tout premier cours à l’Ecole des Beaux-Arts, Bernard Marcadé nous avait dit que de toute façon, tout avait déjà été fait. Et que la question est de savoir comment faire “avancer le schmilblick”. Lorsque l’on entend ça et qu’on est en première année, c’est assez déconcertant… Mais cela prend tout son sens par la suite. Regarder ce qu’il s’est passé auparavant, en tirer des conclusions et questionner d’une autre façon.

Ton travail de photographe comporte un corpus de portraits assez conséquent. Tu as initié récemment un projet de portraits de l’équipe du Palais de Tokyo ainsi que des acteurs du lieu (artistes, intervenants…). Je voudrais savoir de quelle manière tu abordes le portrait d’une personne que tu ne connais pas forcément.

Lorsque je dois prendre en photo quelqu’un que je connais un peu, j’ai eu un temps d’observation et d’anticipation qui me permet d’essayer de capturer le personnage de la façon dont il aimerait être perçu. Mon but est que cette personne soit contente d’avoir un portrait.
Il s’agit également de mettre en valeur les aspects qui me touchent le plus chez quelqu’un. C’est ce que j’ai envie de montrer. Je pense notamment à un portrait d’une personne travaillant au Palais de Tokyo qui est très introvertie et qui s’est vraiment révélée devant l’appareil.
Lorsque je ne connais pas la personne, et que j’ai très peu de temps devant moi, c’est le défi qui me motive. Mais en règle générale, je préfère y réfléchir en amont, trouver des décors ou un accessoire, quelque chose qui se rapporte à cette personne. Il s’agit de trouver un contexte favorable dans ce cas précis.

Quel type d’appareil utilises-tu ?

J’ai laissé tomber l’argentique pour tout un tas de raisons. Je travaille uniquement en numérique. Et je suis une inconditionnelle de Nikon.

Il me semble que tu retouches tes images de manière assez légère.

Effectivement, il n’y a pas de modification de l’image. Je pense à la série Garden Party qui met en scène des enfants : tous les accessoires ainsi que le maquillage sont intervenus lors de la prise de vue. J’aime que tout le décor soit prêt, même si dans certains cas, il est fait de bouts de ficelles. Le travail en post-production consiste surtout à calibrer la couleur, il n’y a pas de photo-montage.

Combien de temps passes-tu sur une image en moyenne ?

Si je suis en train de réaliser un travail plastique, la photo est juste un médium, elle n’est pas technique, au sens où je l’entends. Il s’agit davantage d’un travail de composition, en général en série. Donc ces images nécessitent un temps de préparation, pour lancer la série. Comme j’ai beaucoup travaillé avec des enfants, il fallait dans un premier temps les trouver et les booker. Je devais aussi m’entretenir avec les parents, leur expliquer mes intentions etc. Ensuite le travail de post-production avant de faire valider la photo par la famille. En général, ce type de projet prend quelques semaines.
Pour la série de portraits qui est en cours, les contraintes sont différentes. Un shooting peut avoir lieu de manière improvisée parce que quelqu’un sera de passage et je vais le prendre en photo. J’aurais repéré le lieu de la prise de vue au préalable et tout se passe assez vite.
Lorsqu’il s’agit de photos de tournage, la prise de vue s’étale sur un ou plusieurs jours et j’essaie ensuite de retravailler ça dans les plus brefs délais.

A quoi ressemble une journée type de travail ?

Les journées sont assez chargées. Je travaille sur les projets que nous développons au Palais de Tokyo et je fais de la médiation pendant la journée.
Le soir, j’essaie d’avancer sur mes photos, principalement les photos de tournage, les portraits. Un certain nombre de dossiers de photos s’accumulent et sont en attente. Donc oui, les journées sont longues.

Quels sont tes projets à moyen et court terme ?

J’ai une série de performances en attente que je réalise avec des enfants. J’utilise le prétexte du jeu ou de la punition que je détourne avec eux. Pour la prochaine performance, je vais reprendre le jeu “Jacques a dit”. L’idée est de faire de la cours de récréation, non pas un terrain de jeu, mais un terrain de préparation à la guerre, avec des clans etc. Ca serait l’endroit où les affinités entre les gens se manifestent ou, au contraire, les divergences éclatent. Un enfant serait choisi de manière aléatoire pour jouer Jacques a dit, tous les enfants seraient habillés de la même manière et exécuteraient les ordres de cet enfant désigné. Le jeu reste la thématique. Qu’est-ce-que le jeu pour ces enfants ? Sont-ils en train de jouer lorsqu’ils font la performance ?
Et en parallèle, il y a cette série que initiée au Palais de Tokyo qui consiste à prendre en photo les gens avec qui je travaille . Il s’agit d’inclure tous ceux qui ont participé de près ou de loin au projet Palais de Tokyo. Cette série devra être bouclée pour les dix ans du Palais de Tokyo en 2012. L’idéal serait d’en faire un catalogue, pour communiquer sur ces gens qui ont permis que ce lieu existe et demeure.

A quoi rêves-tu ?

Lorsque je serai grande ? (rires)
J’aimerais acheter un vieux château, et le restaurer. Idéalement, il serait au milieu de nulle part, il y aurait de la verdure, de l’espace et une connexion Internet quand même.
Plus sérieusement, je ne me projette pas trop en réalité. Envie de continuer à aller voir ce qu’il se passe ailleurs. La Lettonie et l’Afrique font partie des envies du moment.

Quand est-ce-que tu te sens utile ?

Je me sens utile lorsque le message passe, quel qu’il soit.

Que fais-tu le dimanche soir ?

Aucun souvenir (rires).
J’attends le lundimanche.

Quelle est ta drogue légale favorite ?

Je suis une dingue des consoles de jeu et ça a l’avantage d’être légal . Je commence à en avoir une collection. J’ai conservé les premières Nintendo familiales, qui sont intactes.

Quelle épitaphe sur ta tombe ?

FIN. Et tous les homonymes de ce mot…

C’est donc le mot de la fin. Merci.

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